Parlons musique classique

Voilà... Perso j'y connais rien.. Mais voilà... 

jos il s'y connait un peu ,il me semble

C'est juste pour lui le topic en fait mdrr

Qu'est-ce que tu veux savoir ?

Je pense que niveau culture, Renne me double largement, après je suis pas un malpropre pour ce qui est de la théorie tonale ou modale, et pour ce qui est des accords riches

Le vent souffle à Brest !

Le vent souffle à Brest !

chut

Le roux souffre à Brest !

Ta mère souffle dans mon lit

J'ai quasiment soufflay du nay

Je souffle mes bougies

BONANIV

Bon j'vais faire une pitite introduction histouar de recentrer le sujet.

La musique dite "classique" ou "savante" couvre environ 5 siècles de musique avec différentes périodes.

On peut situer le "début" de la musique classique après la renaissance, on a l'habitude de dire que le premier opéra (du moins le premier opéra qui aie fait parlé de lui) Orfeo de Monteverdi 1607 marque le début de la période dite "baroque".

Cette période foisonnante débute donc au début du XVIIe siècle et on la fait terminer, autour de 1750 (date de la mort de Bach, facile à retenir).
L'époque Baroque est une époque assez complexe à comprendre et à résumer pour de nombreuses raisons et notamment pour le fait que les façons de faire varient selon le pays. Je vais donc brièvement vous parler de chaque zone géographique.
Mais d'abord, tout de même quelques généralités.

À l'époque Baroque, on jouait sur des instruments "anciens" dont certains ont disparu.
On jouait notamment de :
- la viole
Cet instrument correspond à une famille entière (on peut considérer que c'était la famille des cordes de l'époque), il existe des violes à bras, des violes altos, des violes de gambes etc... On faisait même des concert avec des orchestres de violes qu'on appelle "consort".
Ce qui la différencie de la famille des violons, qui existent déjà, mais surtout en France, ce sont les frêtes sur la touche.

- du clavecin
considéré comme l'ancêtre du piano (un peu abusivement), cet instrument à clavier (parfois double) fut utilisé jusque très tard dans la musique et reviens un peu à la mode dans la musique moderne/contemporaine. Les décors des instruments sont très travaillés comme vous pouvez constater...

-du clavicorde
cet instrument méconnu est probablement le véritable ancêtre de tous les autres instruments du même types. Très rudimentaire, une "tangeante" vient frapper la corde, et reste au contact de la corde jusqu'à ce que l'interprète lève le doigt de la touche, on peut donc faire du vibrato (inouï), ou varier la hauteur de la note (faire des bends quoi). Il y a encore beaucoup à dire sur cet instrument, si vous voulez des précisions, je peux vous en donner.

- du luth
la guitare de l'époque, on utilise déjà des tablatures, instruments très utilisé dans la musique savante et dans les musiques populaires.

- l'orgue
instrument à vocation liturgique au départ, il y a énormément à dire sur cet instrument, encore une fois si vous avez des questions, je vous écoute.

Chez les bois on utilise beaucoup le hautbois, le basson (qui ont évolué maintenant, naturellement), la flûte à bec (flageolet), ou le traverso (c'est une flute traversière en bois, avec un son très beau)

Chez les cuivres la trompette et le cor ne possède pas encore de pistons, ils sont donc plus limités en terme de notes (enfin ca dépend surtout du gars qui joue).

Voilà pour les instruments. Autre généralité, la mode de l'époque baroque est à la basse continue (continuo en Italie). La basse continue est réalisée par un instrument polyphonique (clavecin, luth, orgue...) et au moins un instruments monodique (viole, violoncelle, basson...). Comme son nom l'indique, il s'agit d'une ligne de basse écrite, à laquelle on a noté des chiffrages au-dessus, correspondant à des accords que le polyphoniste doit réaliser. Cette technique sera utilisée jusque l'époque classique.

Les Baroqueux affectionnaient beaucoup l'improvisation, que ce soit au luth, aux claviers ou au reste.

En terme de type d'oeuvre, l'époque baroque voit naitre donc l'opéra, mais aussi le concerto. Alors je sais plus bien qui l'a "inventé" mais bon... En gros un concerto est une oeuvre pour orchestre et soliste, qui met en valeur le soliste. À l'époque baroque, on appelle cela concerto grosso, ou l'orchestre est divisé, le ripieno (continuo + dessus) donne la réplique aux soli (souvent en trio) qui changent. Puis nait le concerto de soliste, ou le ou les solistes restent solistes tout le morceau et l'orchestre est uni. On fait aussi beaucoup d'oratorios, oeuvres pour orchestre et voix visant à raconter une histoire, connue au préalable.

Pour finir, à l'époque Baroque, on utilise des tempérament inégaux. Pour vous la faire courte, le tempérament usité depuis Bach est le tempérament égal, dans lequel la "distance" entre chacun des douze sons de la gamme est égale. Et bien à l'époque baroque, ça n'était pas le cas, on utilise des tempérament selon les tonalités et l'affect du morceau qu'on joue, afin de le rendre plus dramatique, ou plus amusant etc...

Dernière petite chose, le diapason de l'époque est différent selon les pays, et même au sein d'un pays il varie selon la zone géographique, car c'est le Roi ou le Seigneur qui en décide.
D'ailleurs les compositeurs dépendent du suzerain également.

Voilà pour les généralités.

En Angleterre, on trouve des compositeur comme Purcell (1659-1695), Haendel (1685-1759, il est d'origine Germanique mais passe sa vie en Angleterre à partir de 1712) ou Dowland (1563-1626). À cette époque en Angleterre, la royauté est assez sévère, on interdit aux gens de jouer dans la rue, donc les Anglais vont favoriser les petits instruments qui font peu de bruit, afin de pouvoir jouer dans la rue quand même (petits pour pouvoir les cacher). En Angleterre la mode est au ground, particulièrement chez Purcell. Le ground est une basse obstinée (tu prends un motif et tu le répètes tant que tu veux) particulièrement "dépressive", descendante et dramatique avec des dissonances qui passent. On en trouve beaucoup dans Didon et Énée de Purcell.
Quelques oeuvres : Le messie (oratorio), Alcina (opéra), Jules César (Opéra) de Haendel et Ode à Sainte-Cécile et Didon et Énée (opéra) de Purcell. Les anglais affectionnent assez la musique vocale.

Chez les Germaniques, on trouve des compositeurs comme Buxtehude (1637-1707, bonjour Bach a fait 400 km à pieds pour apprendre de moi), Telemann (1681-1767, bonjour j'ai écris plus de 6000 oeuvres), Schütz (1585-1672), Biber (1644-1704) et la famille Bach, naturellement. En Allemagne le diapason (le la5) est autour de 415 Hz. En Allemagne on aime bien les bois, Telemann écrit énormément pour hautbois. On écrit en revanche peu d'opéras. On écrit pas mal des suites instrumentales (tirées des suites de danses). Vous connaissez le grand représentant, Jean-Seb, c'est lui qui va faire s'imposer le tempérament égal. On aura jamais fini de parler de lui, je passe direct aux oeuvres : Fantaisies pour hautbois de Telemann, Sonates du Rosaire de Biber, musique pour orgue de Buxtehude, et Bach l'oeuvre intégrale (mdr la messe en si mineur, les concertos brandebourgeois, les sonates pour orgues, les partitas pour clavier, les suites pour cello, les sonates et partitas pour violon, suites pour luth...)

En Espagne/Portugal, on trouve des gens comme Soler (1729-1783), Domenico Scarlatti (1685-1757, italien, mais vient en Espagne dès 1720). On trouve beaucoup de musique pour clavier chez les deux (555 sonates retrouvées pour Scarlatti), la mode est plutôt à la légèreté (le Soleil certainement).

En Italie le diapason est à 460 Hz, on trouve des compositeurs comme Vivaldi (1678-1741), Albinoni (1671-1751), Corelli (1653-1713) ou Frescobaldi (1683-1743). Corelli est celui qui va démocratiser le concerto grosso et puis plus tard Vivaldi va lui imposer le concerto de soliste. Le style Italien est lui aussi plutôt léger, on aime la virtuosité, et on aime beaucoup les cordes.
Oeuvres: concerto pour 2 mandolines de Vivladi, Sonates et concertos de Corelli

En France le diapason est à 391 Hz on trouve des compositeurs comme Rameau (1683-1764), Couperin (1668-1733), Lully (1632-1687, italien mais arrive en France à 13 ans). Le style Français doit être un des plus ornés de toute l'histoire de la musique. En France, on a pour habitude de jouer les croches inégales, sans pour autant le noter (comme le swing). L'interprète choisit de jouer égal ou non, surtout en fonction du tempo. Lully compose son orchestre de 5 voix (1 dessus, 3 milieux et 1 basse), et va importer le violon, et l'imposer en France. C'est en partie grâce à lui que l'orchestre est telle qu'il est aujourd'hui. Beaucoup de musique de scène dans le style français, de ballet, de tragédies lyriques etc...
Oeuvres: 4 livres de pièces pour clavecin (écoutez le Tic toc choc) de Couperin,  Armide (opéra) de Lully, les princesse de Navarre et les Indes Galantes de Rameau.



Voilà à peu près pour les baroqueux.

Ensuite on dit en gros que de 1750 jusqu'aux années 1790 est l'époque classique. Cette époque voit naître le pianoforte et la clarinette (entre autres). On trouve des compositeurs comme Mozart (1756-1791), Joseph Haydn (1732-1809), Michael Haydn (1737-1806), Carl-Philippe Emmanuel Bach (1714-1788), Sachini (1730-1786), Boccherini (1743-1805), Clementi (1752-1832), Glück (1714-1787) ou Stamitz (1717-1757) - On considère souvent que Beethoven est aussi un compositeur classique, surtout dans la première partie de sa vie, il forme avec Mozart et Haydn ce qu'on appelle "la première école de Vienne". Stamitz est un préclassique en réalité, il fait partie de l'école de Manheim, école qui fixe le modèle de l'orchestre à 2 dessus 1 milieux et 1 basse (modele qu'on connait toujours actuellement) et fait éclore le style symphonique en 4 mouvement, forme caractéristique de la période classique.
Le grand représentant de la musique classique est Joseph Haydn. C'est lui qui "invente" le quatuor à cordes (modèle symphonique réduit). Il sera un des maîtres de Beethoven. Il écrit plus de 100 symphonies (41 pour Mozart). Le style concertant est aussi très en vogue (concerto, symphonies concertantes...). Et c'est l'explosion du piano, l'instrument permet beaucoup de choses nouvelles, et devient central, souvent soliste, n'ayant pas sa place dans l'orchestre...
Oeuvres: Symphonies londoniennes, symphonie "le matin", sonates, quatuor à cordes, la création (oratorio), concertos pour violoncelle de Haydn, symphonies, concertos pour piano, concerto pour clarinette, concerto pour basson, Grande messe en do mineur, Les noces de Figaro (opéra), Don Giovanni (opéra), Enlèvement au sérail (opéra), La flûte enchantée (opéra), gran partita de Mozart etc...

On considère que vers la fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe débute la période pré-romantique. On trouve des compositeurs comme Beethoven (1770-1827), Schubert (1997-1828) et Weber (1786-1826). Les artistes se mettent de plus en plus à s'exprimer eux-mêmes à travers leurs oeuvres, à casser les codes, les formes... Les artistes cessent de dépendre d'une seule personne (Haydn de Estherazy, Mozart de Joseph II l'empereur etc...). On considère que Beethoven est le premier compositeur indépendant, il avait de multiples mécènes et était donc plus libre. Découle de cela, mêlé à sa surdité, son écriture d'avant garde, notamment dans les dernières sonates pour piano et ses symphonies. Il écrit la bible de la musique pour piano et surtout de la musique symphonique, hantant tous les compositeurs futurs. Schubert était prolifique (plus de 900 oeuvres, dont des opéras, des symphonies...). Il reste de lui surtout de la musique de chambre (lieder en particulier), de la musique pour piano et ses symphonies. Et Weber est le père de l'opéra allemand. Jusqu'alors, l'opéra était de style Italien (même chez Mozart...), l'Italie était la référence dans ce domaine. Weber a innové dans ce domaine, en important des effets de musique de chambre ou autre au sein de l'opéra...
Oeuvres: 32 sonates, 9 symphonies, Fidelio (opéra), ouverture Egmont, lieder "à la bien aimée lointaine", 5 concertos pour piano, un triple concerto, concerto pour violon de Beethoven, lieder, trios, sonates pour piano, sonate pour arpeggione de Schubert, Abu Assan (opéra), Freischütz (opéra), 2 concertos pour clarinette de Weber.

Vient ensuite la période romantique, que l'on fait débuter autour de 1820. Foison de compositeurs, de tous endroits de l'Europe, le nationalisme est très fort. Donc Berlioz (1803-1869), Mendelssohn (1809-1847), Schumann (1810-1856), Chopin (1810-1849), Wagner (1813-1883), Brahms (1833-1897), Dvořák (1841-1904), Liszt (1811-1886), Smetana (1824-1884), Grieg (1843-1907), Tchaikovski (1840-1893), Rossini (1792-1868), Verdi (1813-1901), Elgar (1857-1934), Albeniz (1960-1909) etc... Ici le compositeur se met dans l'oeuvre, de nouvelles formes, surtout des formes libres sont utilisées (fantaisies, ballades, préludes, nocturnes...). C'est un peu trop compliqué de parler du romantisme en généralisant, mais en gros, le piano continue d'être perfectionné et reste l'instrument maître, l'orchestre grossit encore, Wagner met l'opéra allemand au premier plan, même si Rossini et Verdi sont beaucoup joués. Le langage se complexifie (Brahms, Wagner entre autres chargent beaucoup l'harmonie). On intègre le folklore à la musique savante, on écrit sur son pays, ses origines, même les opéras sont chantés dans la langue du pays. On affectionne beaucoup les histoires dramatiques, mêlant fantastique et terreur (Faust, Tristan et Isolde, Mephsito etc...). Eclosion d'une nouvelle forme: le poeme symphonique, une oeuvre instrumentale qui raconte une histoire. On appelle cela la musique à programme, le compositeur explique l'histoire qu'il raconte à travers sa musique (merci Berlioz ).
Oeuvres: 4 symphonies, 1 concerto pour piano, 1 concerto pour violoncelle de Schumann, 4 symphonies, 2 concertos pour piano, 2 concertos pour violon de Brahms, musique pour piano de Chopin et de Liszt, Tristan et Isolde (opéra), L'or du Rhin (opéra), Siegrfried (opéra), Parsifal (opéra) etc de Wagner, Requiem de Verdi, Symphonie fantastique, symphonie funèbre et triomphale, requiem de Berlioz etc...

Vient ensuite la période post-romantique, autour des années 1880, où le langage se complexifie encore plus et durant laquelle différent courants émergent. On trouve des compositeurs comme Saint-Saens (1835-1921), Richard Strauss (1864-1847), Rachmaninov (1873-1943), Granados (1867-1916), Fauré (1845-1924), Sibelius (1865-1957), Mahler (1860-1911), Franck (1822-1890), Bruckner (1824-1896)... En France, l'influence de la peinture et de la tradition de l'orgue pousse les compositeurs vers une musique sans surenchère, pleine de finesse et de subtilité, tandis que les allemands vont plutôt continuer à utiliser la masse orchestrale etc...
Oeuvres: 10 symphonies de Mahler (je vous conseille la 5e), 9 symphonies de Bruckner, symphonie, prélude choral et fugue, sonate pour piano et violon de Franck, Liturgie et vêpres de Rachmaninov, don quichotte (poeme symphonique), une vie de héros (poeme symphonique) de Richard Strauss.


Au XXe siècle, se mêlent énormément de courants en très peu de temps, on va donc parler des courants plutôt que de dates.

Courant impressionniste:
Courant Français, influencé par Wagner, la musique pour orgue et la peinture, on pourrait compter Fauré parmi les impressionniste dans la fin de sa vie. Courant représenté par Debussy (1862-1918) et Ravel (1875-1937), on arrête de mettre sa personne en avant, on cherche seulement à décrire. Courant basé sur les couleurs et les timbres, on note aussi des influences extra européennes (notamment grâce aux expositions universelles).
Oeuvres: Ma mere l'oye, La valse, Rhapsodie Espagnole de Ravel, Prélude à l'après midi d'un faune, L'isle joyeuse Préludes de Debussy...

Musique atonale puis dodécaphonique:
Courant lancé par Schönberg (1874-1951) suivi de ses disciples Berg (1885-1935) et Webern (1883-1945). Après un début de vie dans lequel Schönberg reste tonal et post romantique (La nuit transfigurée 1898), dans le début du XXe siècle, autour de 1907-1908, Schönberg sort du système tonale et met chaque note sur un pied d'égalité il écrit donc 6 pièces pour piano op.19, 5 pièces pour orchestre op.16, et surtout en 1912 Pierrot Lunaire, pour orchestre et voix, dans lequel les effets sont extrêmes. Berg écrit lui sa sonate  pour piano op.1, 4 pièces pour clarinette op.5, et 3 pièces pour orchestre op.6 et Wozzek, opéra où il intègre cris, rire et accents de la voix parlée à la musique. Webern écrit 5 pièces pour quatuor à cordes op.5 et 6 pièces pour grand orchestre op.6.
En 1922-1923, Schönberg théorise la sérialisme. Dans le sérialisme, on écrit une série de notes utilisant les 12 sons de la gamme chromatique et en numérotant l'ordre des notes. IL NE PEUT Y AVOIR 2 FOIS LA MEME NOTE DANS LA SERIE. Cela dit les octaves ne comptent pas. Et on manipule la série, grâce au miroir, au rétrograde, à la transposition pour en faire un morceau (On peut écrire une série tonale). Dans le sérialisme on trouve les 5 pièces op.23, Moses et Aaron, la suite pour piano op.25 de Schönberg, Lulu (opéra inachevé), la suite lyrique, le concerto à la mémoire d'un ange de Berg et la symphonie op.21, le concerto pour 9 instruments de Webern.
Petites notes: Zemlinsky (1871-1942) a écrit de la musique atonale mais n'a jamais fait de sérialisme. À la fin de sa vie, Schönberg a réutilisé le système tonal.

Courant Russo-bourin  
Au début du XXe siècle, Stravinsky (1882-1971) casse la baraque avec 3 ballets: L'oiseau de feu (1910), Petrouchka (1911) et Le sacre du printemps (1913). Stravinsky utilise un orchestre chargé en cuivres et percussions, il atteint son paroxysme avec le sacre. Il écrit une musique organique, une musique bestiale, frénétique. Plus tard il change de voix, mais d'autres prennent la suite : Prokoviev notamment (1891-1953) et Chostakovitch (1906-1975). Le style russe un peu "fort" n'enlève pas la spiritualité aux oeuvres.
Oeuvres: les 3 ballets de Stravinsky, Sonate 5, 6 et 7, concerto n°2 de Prokoviev, symphonies et quatuors de Chosta.

Néoclassicisme:
Courant initié par Stravinsky dans les années 1920, on décide de revenir à des formes du passé, des thèmes, et même on cite les vieux maîtres.
Oeuvres: Pulcinella, Symphonie en Ut, Jeu de cartes, Apollon Musagète de Stravinsky.

Énergumènes:
-Messiaen (1908-1992) est un peu hors-norme. Il est issu de la tradition impressionniste et très influencée par elle, cependant il montra la voie à beaucoup. Il généralisa le sérialisme à tous les paramètres, et pourtant en fit très peu (modes d'intensités et de valeur). Il utilisa des échelles nouvelles, les modes à transposition limitée (mode ton/demi-ton et mode demi-ton/ton), des rythmes non rétrogradables et des valeurs ajoutées (Je sais c'est compliqué si vous voulez je vous expliquerai). Messiaen adorait le piano et les ondes martenot.  DEUX CHOSES DANS SA VIE: LA CHRETIENTÉ ET LES OISEAUX
Oeuvres: Apparition de l'Eglise éternelle, 20 regards sur l'enfant Jésus, Quatuor pour la fin du temps, Turangalila symphonie, Saint-François d'Assise (opéra)

-Bartok (1881-1945) et Kodaly (1882-1967) sont 2 compositeurs et ethnomusicologues de l'est de l'Europe. Au début de leur vie, ils vont de village en village (en Slovaquie, Hongrie, Roumanie, Bulgarie),enregistrer et noter les chants populaires afin de sauvegarder ce patrimoine. Ils l'intègreront plus tard dans leurs oeuvres. Bartok écrit des ouvrages pédagogiques (mikrokosmos) pour l'apprentissage du piano. Bartok est un des compositeur qui utilisera le piano comme instrument à percussion.
Oeuvres: Danses populaires roumaine, 2 concertos pour violon, concerto pour alto, concerto pour orchestre, musique pour corde percussion et célesta, suite de danses de Bartok et Sonate pour violoncelle de Kodaly.
-Ligeti (1923-2006) au début Ligeti suit la voie de Bartok, puis découvre sa manière d'écrire, allant parfois très loin. Il fait un peu la synthèse des autres courant de son temps. Il écrit un poeme symphonique pour 100 métronomes (pièce aléatoire donc), pour ridiculiser l'intellect. Il écrit Musica ricercata, 11 pièces, qui gagne chacune une note (minimalisme). Puis tiré de sa pièce pour métronomes, il travaille sur les répétitions de notes à des tempi différents, annihilant ainsi la notion de tempo, on appellera ca le temps lisse.

Musique post Schönberg, post Messiaen:
Bon ça c'est juste pour caser Boulez (1925-pas mort) et Stockhausen (1928-2007). En gros ce sont les 2 grands représentants d'un type de musique contemporaine, assez intellectuelle, utilisant le sérialisme intégral puis l'abandonnant, gardant les influences des 2 gars cités au-dessus. Musique un peu obscure, pas vraiment définie... BREF.
Oeuvres: 3 Sonates pour piano, le marteau sans maitre de Boulez, klavierstucke et HelikopterStreichquartet de Stockhausen.

Musique nord-américaine, minimalisme, musique répétitive:
La musique nord-américaine a émergée autour des année 1920, de nombreux compositeurs européens allaient en voyage aux USA, certains même, restaient afin de pouvoir travailler d'une nouvelle manière. Charles Ives (1874-1954) est un peu le père de la musique américaine, puisqu'il cessa la composition dans les années 1910. Il fut découvert à la fin de sa vie, et son affection pour les "bruits" ou "bruitages" ou ses orchestrations originales furent particulièrement appréciées. Durant la guerre, on demande aux compositeurs américains d'écrire des oeuvres pour "participer à l'effort de guerre". Des compositeurs comme Copland (1900-1990) composèrent ainsi des fanfares, entre autre, puis se firent connaitre. Puis vinrent Glass (1937-pas mort) et Reich (1936-pas mort). Reich est passionné par le rythme (influence de Messiaen?), les phases, et très intéressé par l'évolution de la technologie. Dans les années 60, il  enregistrait des sons de la ville, de gens qui chantaient etc... et utilisait les bandes en les coupant, pour en faire ses oeuvres. Il a ensuite adapté cela à la musique instrumentale. Il utilisait le même matériau en le changeant, le modifiant. Glass lui est plutôt resté sur de la musique instrumentale, et a fait beaucoup de musique répétitive, réduisant son matériau sans le changer.
Le minimalisme consiste à réduire son matériau, de n'importe quelle manière, certains compositeurs limitent les rythmes, d'autres le nombre de notes, d'autres les deux etc...
Cage (1912-1992) est un peu à part, mais on peut parfois le rapprocher du minimalisme. Il a surtout utilisé l'aléatoire, dans ses oeuvres.
Oeuvres: 4 symphonies de Ives, Fanfare for the common man de Copland, It's gonna rain (bandes), Clapping music (déphasage direct), piano phase (déphasage graduel), Nagoya Marimba, Different Trains et Drumming de Reich, 5 quatuors de Glass, Shaker Loops de John Adams (1947-pas mort), Préludes pour piano préparé, 4'33 de Cage...

Musique microtonale:
Ce courant n'en est pas vraiment un, mais des compositeurs ont décidé d'utiliser des intervalles plus petits que le demi-ton: tiers de ton, quart de ton et même huitième de ton. Au delà de la simple envie d'augmenter le nombre de sons à sa disposition, on peut quasiment insérer le système tonal au sein de la microtonalité. Exemple, j'utilise des 1/4 de tons, j'ai donc 24 sons dans une octave. Je peux donc diviser mon octave en 2 gammes "tonales", avec toute la théorie qui va avec... Parmi Les compositeurs ayant utilisé cette technique on trouve Xenakis (1922-2001), Holliger (1939-pas mort)...

Musique spectrale:
La musique spectrale est la musique qui s'intéresse au spectre des notes (dans les notes il y a une fondamentales et des harmoniques, on travaille dessus et encore d'autres choses). C'est une musique un peu expérimentale, pourtant pensée assez, rapidement, puisque des compositeurs tentaient déjà au début du XXe siècle de trouver le moyen de faire sonner l'orchestre ou certains instruments comme des gongs, cherchant à trouver la proportion des harmoniques. Grâce à la technologie on peut analyser les sons et composer sur ce qui "fait' le son (émission, entretien, désinence, harmoniques etc...). Dans ce courant on trouve Tristan Murail (1947-pas mort), Marc-André Dalbavie (1961- pas mort)...

Voilà. N'hésitez pas si vous avez des questions.

Ouais bien sur

Attend le mec il s’appelle Reich ?

Oui, et il était juif.

Tririre

mdrr


Et le metal néo-classique, on en parle pas? Malmsteen mérite con s'intéresse à lui, diantre alors

Les courants de musiques du XXe siècle tirés des folklores comme le blues, le jazz, le rock'n'roll etc... ne sont pas considérés comme de la musique "savante" ou "classique". Même chose pour les musique de foire, cirque, fanfares, musique de danse (tango, flamenco etc...). Ils ont pourtant pour la plupart été intégré dans des oeuvres "savantes" d'une manière ou d'une autre.

oui... Je rigolais...

Moi j'y connais rien en musique classique même d'aujourd'hui

Oui ou alors, pour ne citer que le milieu métal, on trouve des musiciens "populaires" emprunter au milieu savant, ou tout simplement jouer voire composer une adaptation de musique savante avec un instrument populaire/moderne.

Désolé Soko, déconnade ou pas, laisse nous nous emparer de ce sujet

Pk le Brutal Slamming Death-metal est pas considéré comme une évolution de la musique atonale? Nan mais sérieusement, après tout est-ce que c'est juste une question d'origine, ou d'instrumentalisation? après tout, dites vous que la 'zik des chanteurs pop qui passent sur MTV à pour origine les chants religieux des petits esclaves africains tout tristes de travailler toute la journée, et puis la suite vous la connaissez... 
Gospel Blues  Rock  Metal  Cannibal corpse
Country  folk  pop  Electro-pop  Justin Bieber


Pourtant, musicalement, y'a pas vraiment de lien entre Cannibal Corpse et du blues, excepté au niveau de l'instrumentalisation. Et c'est pareil pour Justin et la country. D'ailleurs la théorie Savant/Traditionnel/Populaire tient plus debout si on suit la logique selon laquelle la seule différence entre ces musiques résident dans leur instrumentalisation et leurs origine puisque toute musique populaire vient d'une musique traditionnelle, donc en gros on se retrouve avec "Tout keski cé pa populère bein c savan et vice versa".   


ET BIM!!! Tu t'y attendais pas à celle là hein!?



Je sais même pas à qui je parle là...

Les musiques savantes ont influencées les musiques traditionnelles et inversement, séparer les unes des autres me paraît ridicule à la base même. Mais disons que on a essayé de s'y retrouver parce que la musique c'est trèèèèèèèèès vaste. Comme beaucoup de domaines, si tu vas dans un restaurant mais que ta carte n'est pas construite, je te souhaite bien du plaisir pour bouffer ce qui te ferais plaisir. ^^

Les choses arrivent au moment où elles doivent arriver, ne crois pas que le blues où le jazz ne seraient pas arriver sans la traite négrière. Liszt, Beethoven ou Saint-Saens écrivaient déjà du jazz, où ce qui pourrait s'y apparenter. Et puis la musique "classique" elle-même vient des musiques antérieures.

Mais non, tout ce qui n'est pas savant n'est pas folklorique et inversement. Justin ou Nikki font leur musique, influencée par la musique folklorique ET la musique savante, mais ose me dire qu'ils font du folklore.